“Try a Little Tenderness” es una canción de amor escrita por Jimmy Campbell, Reg Connelly y Harry M. Woods grabada inicialmente el 8 de diciembre de 1932.
Una versión popular fue grabada por Otis Redding en 1966. La grabación Redding cuenta con una apertura lenta que con el tiempo se basa en un frenético R & B. Esta versión alcanzó el nº 25 en el Billboard Hot 100. Se ha nombrado un buen número de veces una de las “mejores canciones de todos los tiempos”. Esta en la posición 204 en la revista Rolling Stone ‘ s lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos .
Aretha Franklin interpretó la canción en 1962. Después de oírla, Sam Cooke añadió a sus shows en vivo (1964).
Never Shout Never —a veces llamado NSN— es una banda estadounidense de indie rock. Está conformada actualmente porChristofer Drew (voz, piano y guitarra), Caleb Denison (batería, voz y guitarra), Taylor MacFee (bajo y voz) y Hayden Kaiser (guitarra líder).
En enero de 2010, después de haber lanzado varios extended play, lanzan su primer álbum de estudio, What Is Love?, el cual alcanzó la posición #24 en el Billboard 200, de este álbum se desprenden los sencillos «What Is Love?», «I Love You 5» y «Can’t Stand It».
Never Shout Never pasa por un difícil momento al momento de lanzar su segundo álbum de estudio, Harmony, ya que ellos mismo lo describieron como «un poco amargo para la industria musical». El álbum Harmony fue lanzado el 24 de agosto de 2010 debutando en la posición #14 del Billboard 200 y se lanzaron cinco sencillos de él: «CheaterCheaterBestFriendEater», «Lousy Truth», «Lovesick», «Trampoline» y «Harmony».
Desde sus inicios, Never Shout Never mezclaba géneros como indie rock, pop y música acústica, liderando esta última en la mayoría de sus canciones. En sus primeros extended plays tenían un estilo totalmente acústico y pop, mientras que en su primer álbum de estudio, What Is Love? adoptan un estilo más indie, sin dejar de lado su estilo inicial. Su tercer álbum de estudio, según Drew, adoptará un estilo mucho más rock y synth, mientras que en su página oficial de Facebook se describen a sí mismos como new age, estilo que posiblemente predominará en Time Travel, su tercer trabajo discográfico mencionado anteriormente. Por otro lado, Christofer Drew ha comentado que algunos de sus álbumes favoritos son Abbey Road y Yellow Submarine de The Beatles. (Wikipedia)
Solomon Burke (21 de marzo de 1940 en Filadelfia, Pensilvania — 10 de octubre de 2010 en Haarlemmermeer, Países Bajos) fue un músico pionero del soul y del country y miembro del prestigioso museo Rock and Roll Hall of Fame. Empezó su vida adulta como predicador en Filadelfia, y muy pronto pasó a realizar un show radiofónico gospel. En la década de los 60 firmó un contrato musical con Atlantic Records y empezó a dedicarse a la música de carácter más secular. Su primer éxito fue Just Out Of Reach Of My Open Arms, una versión de una canción country. Aunque obtuvo gran aceptación en el círculo artístico y entre los críticos, alcanzando algunos éxitos en los géneros de Rythm & Blues y de pop, Burke nunca consiguió llegar a las grandes masas tal y como hicieron Sam Cooke y Otis Redding. Su mayor éxito fue una versión de Proud Mary, de Creedence Clearwater Revival. Tal vez otra de sus canciones más conocidas es Cry to Me, usada en la famosa escena del baile de seducción en la película Dirty Dancing.
En 1964 escribió y grabó Everybody Needs Somebody To Love, su apuesta más prominente en el soul duradero. Además de la inmediata versión de los Rolling Stones, esta canción fue también adaptada por Wilson Pickett, y casi una década y media después, en 1980, fue utilizada en la banda sonora de la película The Blues Brothers.
Su carrera resucitó de algún modo en 2002, con la publicación de Don’t Give Up On Me, donde interpreta las composiciones escritas especialmente para el álbum de algunos de los mejores artistas mundiales, como Bob Dylan, Brian Wilson, Van Morrison, Elvis Costello y Tom Waits.
Burke ha realizado diversas colaboraciones tanto en la pequeña como en la gran pantalla, y sus giras llegan a colgar el cartel de “no hay entradas”, como ocurrió en el Royal Albert Hall de Londres durante su gira de otoño a Reino Unido.
Burke fue padre de 21 hijos (14 hijas y 7 hijos), tuvo 90 nietos y 19 biznietos. Algunos de sus hijos y nietos se dedican profesionalmente en diferentes campos de la industria musical, aunque ninguno ha conseguido el renombre de su patriarca.
En septiembre de 2006, Burke volvió a sus raíces country con la publicación de un álbum de 14 canciones bajo el nombre deNashville, producido por Buddy Miller. Algunas de las voces invitadas incluyen a Emmylou Harris, Dolly Parton, Patty Griffin, Gillian Welch y Patty Loveless.
En 2008 la revista Rolling Stone situó a Burke en el puesto 89 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.
El domingo 10 de octubre de 2010, Burke murió en el aeropuerto Schiphol de Amsterdam, mientras volaba en un avión desde Los Angeles, que acababa de aterrizar en esa ciudad en la cual iba a brindar un concierto junto a la banda De Dijk el 12 de octubre. De acuerdo a su familia, Burke murió de causas naturales.
Jason Thomas Mraz (N. el 23 de junio de 1977) es un cantautor estadounidense, nacido y criado enMechanicsville, Virginia. El estilo de Mraz está influenciado por reggae, pop, rock, folk, jazz, y hip hop.
Mraz lanzó su álbum debut, Waiting for My Rocket to Come, el cual contiene el sencillo “The Remedy (I Won’t Worry)”, en 2002, pero no fue hasta el lanzamiento de su segundo álbum, Mr. A-Z que Mraz se convirtió en un éxito comercial. El álbum alcanzó el puesto número cinco del Billboard Hot 200 y vendió más de cien mil copias en los estados Unidos. En 2008, Mraz lanzó su tercer álbum, We Sing. We Dance. We Steal Things. El álbum debutó en el tercer puesto de los Billboard 200 y se convirtió en un éxito a nivel mundial, alcanzando el top ten de muchas listas internacionales. Mraz se conoció internacionalmente cuando lanzó el primer sencillo del álbum, “I’m Yours”. El sencillo alcanzó el puesto número seis en la Billboard Hot 100, dando a Mraz su primer sencillo top ten. La canción estuvo en el Hot 100 durante 76 semanas, superando el récord anterior de 69 semanas en poder de LeAnn Rimes con “How Do I Live”. La canción fue un gran éxito comercial en los EE.UU., recibiendo la certificación de triple platino de la RIAA por la venta de más de tres millones. La canción fue un éxito internacionalmente, encabezó las listas en Nueva Zelanda y Noruega, y alcanzó la cima en el top ten de varias listas internacionales. Wikipedia
McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de bluesestadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.
Nacido en Rolling Fork, Misisipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambió de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.
La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.
Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el “Jefe de Chicago”. Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica,Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.
Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: “Got My Mojo Working”, “Hoochie Coochie Man”, “She’s Nineteen Years Old” y “Rolling and Tumbling” son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.
Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.
Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez de una banda amplificada haciendoHard-Rock allí (Uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su crítica, ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1948: “Rollin’ Stone”, también conocida como “Catfish Blues”. El gran hit de Led Zeppelin ”Whole Lotta Love” está basado en la canción de Muddy Waters “You Need Love”, que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: “I Just Want to Make Love to You,” “I’m your Hoochie Coochie Man,” y “I’m Ready.”
Otras canciones características de Muddy Waters son “Long Distance Call,” “Mannish Boy,” y el himno del rock/blues “I’ve Got My Mojo Working” (Compuesta originalmente por Preston Foster). Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.
Se cree fue el músico que dio origen al Rock and Roll.
Pink Floyd y la compañía discográfica EMI acaban de anunciar la reedición “más completa” de toda la obra del mítico grupo de rock sinfónico en todos los formatos digitales (CD, DVD, Blu-Ray y Super Audio CD) y para iPhone.
Así lo ha anunciado la compañía, que realizará la reedición con material de archivo seleccionado por los propios artistas “durante un largo proceso”.
Estos lanzamientos, que saldrán con el título “Why Pink Floyd?”, se completarán con ediciones para coleccionistas con paquetes “super-deluxe” con varios discos que contienen tomas alternativas, canciones no publicadas, películas restauradas de conciertos y una grabación de la legendaria actuación de “The dark side of the moon” en Wembley en 1974.
Roger Faxon, presidente de EMI Group, ha declarado que se trata de una colaboración
“única” entre la compañía y “uno de los grupos más creativos e influyentes de la historia”.
“Hemos trabajado juntos durante más de un año en este proyecto que incorpora todos los elementos que ha hecho de Pink Floyd una de las fuerzas inspiradoras de la música moderna”, ha dicho el ejecutivo, quien explica que “Why Pink Floyd?” se debe a que “su música es única y la música de calidad nunca pasa de moda”.
Pink Floyd fue un grupo de rock británico que cosechó gran popularidad gracias a su música psicodélica que fue evolucionando hacia elrock progresivo y el rock sinfónico con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es una de las bandas más importantes e influyentes de la historia de la música rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 74.5 de ellos solamente en los Estados Unidos.
Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajistay vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, el extraño comportamiento de éste último, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en 1968 por David Gilmour (1946–), cristalizando así la formación clásica del grupo tras la anterior marcha de Klose.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett, aquejado de problemas mentales, hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero los demás miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que habían continuado grabando y actuando bajo el nombre de Pink Floyd, mientras que Waters pensaba que dicho nombre no debía seguir siendo utilizado. Tras el juicio, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluyendo los tres temas que compuso Gilmour para la obra: «Young Lust», «Run Like Hell» y «Comfortably Numb») y sobre todos los temas incluidos en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el mismo nombre.
Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 enLondres.
Mertens estudió Ciencias Sociales y Políticas en la Universidad de Lovaina (graduándose en 1975), así como Musicología en la Universidad de Gante; también estudió Teoría Musical y piano en el Real Conservatorio de Gante y en el Real Conservatorio de Bruselas. En 1978, se convirtió en productor en el entonces BRT (Radiotelevisión Belga). Para Radio 2 (Radio Brabant) produjo conciertos de Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley, Meredith Monk, Urban Sax y otros, y tuvo un programa llamado Funky Town junto con Gust De Meyer — con el que grabó el CD experimental For Amusement Only, destinado para máquinas de pinball.
Conocido sobre todo como compositor desde los últimos años setenta, Mertens es reconocido por su obra Struggle for Pleasure, la cual fue elegida como música para los anuncios del operador de GSM belga Proximus. Es también conocido por su pieza Maximizing the Audience, que fue compuesta para la obra de Jan Fabre The Power of Theatrical Madness, estrenada en 1984 en Venecia, Italia, y la primera en ser compuesta con la voz de Mertens. El estilo de Mertens, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, roza el minimalismo, la música ambiental y el avant-garde, normalmente, en cualquier caso, preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.
La música de Mertens fue usada junto con la de Glenn Branca en la película de Peter Greenaway The Belly of an Architect 1987. Mertens también grabó bajo el nombre «Soft Verdict» y es el autor del libro American Minimal Music, acerca de la escuela de la música repetitiva americana, también llamada “minimalista”.
En marzo de 1998 Mertens se convirtió en el Embajador Cultural de Flandes.
En agosto de 2007 Mertens firmó un contrato con EMI Music Belgium, sello que está realizando un ambicioso plan de relanzamiento de todo el repertorio anterior del compositor desde enero de 2008. Su oeuvre intégrale estará disponible de forma digital y para todo el mundo. No es la primera vez que EMI y Mertens trabajan conjuntamente, ya que en 1999 la banda sonora de la película de Paul Cox Padre Damián fue editada por este sello discográfico.
En junio de 2009, EMI Classics publicó el ciclo Qua que empezó en 1990 con Alle dinghe, seguido de Gave van niets en 1994, Keren en 1999 y Aren lezen en 2001. Se publicaron en una caja recopilatoria. En la misma fecha se publicó el nuevo trabajo de Mertens The world tout court. La discografía de Mertens está disponible a través de Emi Clasics menos en España donde está a través de Warner music Spain.
Compositor afamado, Mertens da múltiples conciertos anuales por todo el mundo, generalmente en tres formatos:
Wim Mertens Solo, como solista de piano y voz.
Wim Mertens Duo, acompañado en algunos casos de violín y en otros de un saxofón soprano.
Wim Mertens Ensemble, con un conjunto de diferentes voces e instrumentos.
De este último tipo es el concierto grabado el 30 de septiembre de 2005 en el teatro De Roma, Amberes, y publicado en el DVD What you see is what you hear (2006), grabación perteneciente al ciclo de conciertos “Maximizing The Audience”, por la celebración del 25 aniversario. En esta ocasión Mertens dirigió un conjunto de 12 músicos compuesto por él mismo aportando voz y piano, un quinteto de cuerda (2 violines, viola, violonchelo y contrabajo) y un coro a tres voces blancas (2 sopranos, 2 mezzosopranos y 2 contraltos).
Bob Dylan (n. Duluth, Minnesota, Estados Unidos; 24 de mayo de 1941), nacido como Robert Allen Zimmerman, es un músico,cantante y poeta estadounidense. Ha sido, durante cinco décadas, una de las mayores figuras en la música popular, siendo considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX.
Muchos de los más célebres trabajos de Dylan datan de la década de 1960, en la cual se convirtió en un cronista informal de los conflictos estadounidenses. Aunque es bien conocido por revolucionar el concepto de los límites de la música popular en 1965 con el single “Like a Rolling Stone” de seis minutos de duración, algunas de sus primeras canciones, como “Blowin’ in the Wind” y “The Times They Are a-Changin’”, se convirtieron en himnos antibélicos y de los movimientos civiles de la época. Uno de los últimos álbumes de estudio de Dylan, Modern Times, publicado en 2006, entró directamente en el primer puesto de la lista Billboard 200 y fue nombrado álbum del año por la revista musical Rolling Stone.
Las primeras letras de Dylan abordaban temas sociales y filosóficos y delataban una fuerte influencia literaria, desafiando la música popconvencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, desde el folk, el country, el blues, el gospel, el rock and rolly el rockabilly hasta la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing.
Adiós, muchachos (Au revoir, les enfants) es una película francesa de 1987, escrita, producida y dirigida por Louis Malle. Basada en experiencias de la infancia de Louis Malle, como alumno de un internado católico en las cercanías de Fontainebleau. Ganadora del premio León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia (1987) y varios premios más.
Esta película refleja la vida de un internado carmelita en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Un grupo de preadolescentes empieza a conocer la realidad en todos sus aspectos, en los positivos destacando el valor de la amistad o la fidelidad a los suyos, y en los negativos, conociendo la traición. Se pone de relieve cómo la infancia que se rige por una visión particular e irrecuperable sin las cerradas concepciones adultas. Les da igual que haya dos sexos, que haya algún niño extranjero, que tenga la piel de determinado color o que hable una lengua distinta.
Louis Malle demuestra, una vez más, la diferencia entre sensibilidad y sensiblería. Esta obra maestra posee la primera a raudales sin acercarse siquiera a rozar la segunda. Las relaciones entre los jóvenes de un internado durante la Segunda Guerra Mundial le sirven al director para trazar un bellísimo retrato no sólo de la adolescencia, sino también de conceptos tales como la fidelidad o la traición. Bellísima. (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)
Sir Ken Robinson (Liverpool, Inglaterra, 1950) es un educador, escritor y conferenciante británico, experto en asuntos relacionados con lacreatividad, la calidad de la enseñanza, la innovación y los recursos humanos. También ostenta el título de Doctor por la Universidad de Londres desde 1981. Debido a la relevancia de su actividad en los campos mencionados, especialmente en relación con el arte, fue nombradoSir por la Reina de Inglaterra, Isabel II en 2003.
Durante cuatro años (1985-1989), Sir Ken Robinson fue el director del proyecto The Arts in Schools Project una iniciativa que pretendía mejorar la enseñanza y el aprendizaje de las artes en las escuelas británicas.
Desde 1989 hasta 2001 fue profesor de educación artística y portavoz del departamento de educación artística en la Universidad de Warwick. Paralelamente, también fue encargado de las investigaciones para el desarrollo de la Facultad de Educación en la que trabajaba. A estos cargos hay que añadir los de Director de estudios de grado en el instituto Warwick para la educación, Director del programa de posgrado en educación artística y estudios culturales, y Director de la unidad para la investigación en educación, cultura y las artes, más conocida por sus siglas en inglés, URECA.
En 1998, David Blunkett, Ministro de Educación y Empleo británico, lo puso al frente del comité consultivo nacional sobre educación creativa y cultura. Comité que, posiblemente, realizó la mayor investigación nacional sobre la importancia de la creatividad en la educación y la economía del Reino Unido.
Fruto del trabajo en dicho comité, se publicó el llamado Informe Robinson cuyo título formal, traducido, es: Todos nuestros futuros: creatividad, cultura y educación. El informe tuvo un gran impacto pues ponía de relieve el escaso papel que hasta entonces había recibido la creatividad y la importancia que sobre ella recaía el futuro, ya no sólo del país, sino de la propia humanidad.
Durante su carrera no sólo ha servido al gobierno británico sino que también ha trabajado para otros como, por ejemplo, el gobierno de Hong Kong y Singapur, la Comisión Europea e incluso para el Instituto de Artes Paul McCartney Actualmente es profesor emérito de la Universidad de Warwick y su conferencia las escuelas matan la creatividad expuesta en el congreso Tecnología, Entretenimiento y Diseño, TED, es una de las más comentadas.1
Sus pensamientos quedan recogidos en dos obras principales: El elemento: cómo encontrar tu pasión puede cambiarlo todo obra traducida a más de dieciséis idiomas, el español entre ellos, y Fuera de nuestras mentes: aprende a ser creativo.
El Paradigma del Sistema Educativo
Paradigma: acepciones de ideas, pensamientos, creencias incorporadas generalmente durante nuestra primera etapa de vida que se aceptan como verdaderas o falsas sin ponerlas a prueba de un nuevo análisis.
George Harold Harrison MBE (Liverpool, Reino Unido, 25 de febrero de 1943 – Los Ángeles, Estados Unidos, 29 de noviembre de 2001) fue un músico, compositor, cantante, productor musical y productor cinematográfico británico, integrante de la legendaria banda The Beatles. Tras la disolución del grupo en 1970 siguió una prestigiosa carrera musical tanto en solitario como dentro del supergrupoTraveling Wilburys, oculto tras los seudónimos de Nelson Wilbury y Spike Wilbury. Asimismo, desarrolló una carrera de productor cinematográfico, creando la compañía Handmade Films en la que dio cabida como actores a gente de la talla de Madonna y los Monty Python. En 2003 la revista Rolling Stone puso a George Harrison en el puesto número 21 en la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.
Pakistán Oriental después de la partición en 1948, la gente estaba oprimida por el poder de Pakistán Occidental cuando un ciclón en 1970 mató a unas 400.000 personas y no hubo respuesta por parte del gobierno lo que dio lugar a una revuelta que condujo a una guerra civil que condujo a la liberación de Pakistán Oriental para convertirse en Bangladesh.
Trailer de GEORGE HARRISON, de Martin Scorsese
Scorsese ha empleado estos cuatro años ha realizar entrevistas en profundidad a aquellas personas que conocieron bien a Harrison. Entre los entrevistados figuran los dos miembros vivos de The Beatles –Paul McCartney y Ringo Starr- así como otros músicos y artistas Eric Clapton, Tom Petty, Phil Spector o Yoko Ono. Por supuesto, el director también ha entrevistado a su viuda, Olivia Harrison, que además de co-producir el documental también ha aportado películas y fotografías inéditas de la vida del guitarrista.
“Cuando escuché las historias que contaban Olivia y sus amigos, estudié las imágenes y las entrevistas, me sumergí en la música y pude ver que él sólo estaba tratando de encontrar una manera sencilla de vivir con sinceridad y compasión”, explica Scorsese a Rolling Stone. “La música de George siempre se dirigió directamente a mí. Así que directamente, no me di cuenta de lo estimulante que había sido para mí hasta que hice la película. Ha sido una experiencia gozosa”, concluye.
Habrá que esperar hasta los días 5 y 6 de octubre para ver si George Harrison: Living In The Material World está a la altura de otras de las incursiones de Scorsese en el cine documental musical como No Direction Home: Bob Dylan o Shine a Light de Rolling Stones.
Brian Douglas Wilson (nacido el 20 de junio de 1942, en Hawthorne, California) es un músico pop estadounidense, miembro fundador del grupo The Beach Boys y su principal compositor, productor y arreglista. Se le considera uno de los compositores más importantes e innovadores de la música popular del siglo XX.
Wilson mostró desde su infancia un extraordinario talento para la música, y a pesar de sufrir sordera del oído derecho en un 96%, pronto se inició como un músico de alto nivel.
La inspiración de Brian Wilson comenzó cuando él escuchó el programa radial de KFOX, con Johnny Otis, una estación favorita de su hermano Carl Wilson, inspirándose en la estructura simple y la voz del ritmo de las canciones de blues, cambió su estilo en el piano y pronto comenzó a escribir canciones con esta nueva influencia. Su entusiasmo interfirió con sus estudios de música en la escuela, fallando en completar una sonata de piano durante su duodécimo grado, sin embargo había realizado una composición original, llamada más tarde “Surfin’”. Además Wilson ha declarado sobre su comienzo en la música, cuando apenas tenía ocho años: “ya estaba siendo formado e influenciado por la música … nada me afectó más en la música que cuando escuché a mi padre tocar el piano de la familia … vi cómo los dedos hacían los acordes y memorice las posiciones”.
Su padre Murry Wilson, había tenido poco éxito como compositor, llegando a componer “Two Step Side Step”, se grabó cuando estaba cursando el Bachillerato en 1952. A pesar de su habilidad musical y todo deseo de educar a Brian, Murry era un padre violento, daba críticas desalentadoras a sus hijos, además de abusar psicológicamente y físicamente de sus hijos. A pesar de que Brian deseaba aprender a tocar piano cuando era niño, él estaba demasiado asustado para preguntar e incluso demasiado asustado como para pulsar las teclas. Pero finalmente Brian sorprendió a su padre y le mostró que aprendió solo a tocar el piano, una vez dijo al respecto: “tocar el piano … literalmente me salvó el culo”.
Sly & The Family Stone fue una banda de San Francisco, California, EE. UU. liderada por el compositor, cantante, productor y multi-instrumentista Sylvester Stewart (más conocido como Sly Stone).
Sly & The Family Stone está considerada una de las bandas fundamentales para entender el nacimiento y desarrollo del funk, al nivel de James Brown y Parliament. Su labor de apertura hacía otros géneros como el rock, la psicodelia, el soul, el rhythm & blues o elpop le convierten en uno de los más importantes grupos, no sólo de funk, sino de toda la historia de la música popular.
Por otro lado, su formación clásica integraba miembros blancos y negros por igual, y mujeres del mismo modo que hombres, por lo que se trata de la primera banda multirracial, compuesta por músicos de ambos sexos, que logró un éxito masivo a nivel nacional e internacional.
La banda permaneció activa en dos etapas. La primera, sin duda mucho más conocida, coincidió con sus años dorados y duró 9 años, desde 1967 hasta 1975, durante los cuales publicó 7 discos. La segunda, que se desarrolla desde 1975 hasta 1983, incluye 4 discos y fue protagonizada, exclusivamente, por Sly Stone, mientras que el resto de integrantes de la banda habían sido, bien sustituidos, bien relegados a un plano secundario.
En el epígrafe de grandes precursores del rock and roll -nos situamos en los años 30 y 40- destaca con luz propia una mujer, cantante y guitarrista de Gospel, que añadió a las letras evangélicas un anticipado acompañamiento rockero.: Rosetta Tharpe.
Según la wikipedia, artistas como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Isaac Hayes, Aretha Franklin y Johnny Cash reconocieron que su forma de cantar y de tocar la guitarra (en el vídeo con una preciosa Gibson Les Paul SG Custom ) como una de sus primeras influencias o Little Richard, que se refirió a esta leyenda de la música como su cantante preferida cuando era niño.
Ann Lennox, OBE (n. 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen, Escocia), más conocida como Annie Lennox, es una cantante de rockbritánica, ganadora del Óscar, Brit Awards, Grammy y el Golden Globe. Comenzó su carrera como vocalista del grupo pop británico The Tourists, que abandonó para formar con otro de sus miembros, Dave Stewart, el dúo Eurythmics, que alcanzó un gran éxito a lo largo de los años 1980 con sencillos como «Sweet Dreams (Are Made of This)» o «Here Comes the Rain Again».
En la década de 1990, Lennox se embarcó en una carrera en solitario que arrancó con su álbum de debut Diva (1992), que produjo los sencillos de éxito «Why» y «Walking on Broken Glass». En 2004 ganó tanto el Globo de Oro como el Óscar a la mejor canción original por «Into the West», escrita para la banda sonora de la película El Señor de los Anillos: el retorno del Rey.
‘Sing’, uno de los temas ha reunido a 23 cantantes femeninas de todo el mundo, quienes hacen coros a la “diva” con la intención de reclamar la atención sobre la labor de estas organizaciones y recaudar fondos para las iniciativas del TAC. Entre estas artistas, además de Madonna, Céline Dion, Anastacia o Shakira, está el grupo vocal del TAC conocido como The Generics, cuyo álbum inspiró a Annie Lennox para componer esta canción.
Para este trabajo Lennox abandona a su habitual colaborador Steve Lipson para trabajar en Los Ángeles con el productor Glenn Ballard, conocido por sus grabaciones con Anastacia, Christina Aguilera, Shakira, Alanis Morissette o Aretha Franklin.
De la inquietud de ‘Sing’ en favor de los mas necesitados, Annie Lennox ve la necesidad de tomar acción y crea Sing campaign, que plantea hacer conciencia ante la problemática del VIH Sida, recaudando fondos y previniendo la propagación de la enfermedad en niños y mujeres.
Mando Diao es una banda de garage rock y Post punk revival, con toques de los sesenta, procedente de Borlänge, Suecia. El nombre de la banda viene dado a raíz de un sueño de uno de los cantantes, Björn Dixgård.
La banda nace en 1995 cuando Dixgard era componente de una banda llamada Butler, siendo él guitarrista y cantante con un rock entre mórbido y delicado. Los miembros de esta banda cambiaban continuamente, además de que algunos dejaban la banda temporalmente y luego volvían (como Anton Grahnstrom o Fredrik Nilsson). Cuatro años después los que más intención le pusieron (Björn Dixgård y Daniel Häglund, teclado) a la banda decidieron tomar el proyecto más seriamente. Björn Dixgård se encontró con Gustaf Norén, al cual le propuso un nuevo proyecto musical. Hablaron entre ellos para realizar y reunir letras de canciones escritas por ellos, algo que duró seis meses, y se cambió el nombre del grupo por el de Mando Diao. Sus primeras representaciones fueron en locales de la ciudad natal de ambos,Borlänge, en 1999. Un escritor local los describió como la mejor banda sin contrato que había escuchado. Seguidamente la sección de EMI en Suecia se interesó en ellos y firmaron un contrato. Además se incorporaron a la banda Samuel Giers y Carl Johan Fogelklou(apodado comunmente CJ), batería y bajo respectivamente.
Creció como un joven en Memphis a principios de los años cincuenta, Johnnyse convirtió en un campeón de boxeo guantes de oro. Él siempre tuvo un interés por la música, lo que le llevó a la formación de un trío musical formado por su hermano Dorsey en el bajo y un amigo en la guitarra eléctrica. Llegaron a ser conocidos como el trío de Johnny Burnette. Los tres trabajaron juntos a tiempo parcial y a tiempo completo como electricistas en Memphis. Trabajaban para la misma compañía eléctrica que emplea un compañero de clase como ayudante de camioneros. Su nombre era Elvis Presley. En 1956, después de una pocas ferias, dejó Memphis, fue a Nueva York donde ganaron algunas competiciones.
Aquí se encontraron con Henry Jerome, quien se convirtió en su manager consiguiéndoles un contrato de grabación con los expedientes de Coral. Uno de susprimeros éxitos para el sello, en 1956, fue una canción llamada ”The Train Kept A-Rollin,” que tuvo un éxito moderado. Después de unos años juntos, el trío se separaron. En el verano de 1960, Johnny obtenía su primer éxito a nivel nacional primero con ”Dreamin ‘”. Aunque Johnnymurió en un accidente de pesca en Clear Lake de California en 1964, su hijo Rocky mantuvo el nombre de Burnette vivo.
Ernest Evans (n. 3 de octubre de 1941), nombre real del artista estadounidense, mejor conocido como Chubby Checker, considerado por muchos como el “Rey del Twist”.
Nacido en Spring Gulley, Carolina del Sur, y formado en Pensilvania, estudió en el South Philadelphia High School al lado de Frankie Avalon y Fabián. La esposa de Dick Clark (conductor de American Bandstand) sugirió para él, el nombre de “Chubby Checker” como alusión afectuosa a Fats Domino. En 1964 contrajo matrimonio con una destacada modelo holandesa de nombre Catharina Lodders, quien fue Miss Mundo en 1962.
“El Twist” (el cual había sido un éxito menor en la voz de Hank Ballard) fue tan popular que su público frecuentemente no le permitió cantar en otro estilo musical. Popularizó muchos temas bailables. Checker después lamentó:
…de alguna manera, “El Twist” realmente arruinó mi vida. Estuve en posibilidad de ser un gran artista de club nocturno, y el Twist la aniquiló, quedé fuera de proporción. Nadie nunca creyó que tenía talento.
Fue el único artista discográfico en tener 5 álbumes en el Top 12 de popularidad, todos al mismo tiempo en una sola vez. Fue condenado por muchos al haber cambiado de golpe la manera de bailar la música desde 1959. Checker tuvo un número importante de éxitos con sus canciones bailables a mediados de los 60, pero cambió en el gusto del publico a final de su meteórica carrera en 1965. Invirtió mucho tiempo durante la segunda mitad de aquellos años en giras y grabaciones por Europa. Los 70 lo vieron convertirse en un icono del circuito de temas “viejitos” retornando como estrella menor de la era disco.
Ringo Starr nació en el seno de una familia trabajadora el 7 de julio de 1940 en el 9 de Madryn Street de Dingle, un suburbio portuario de Liverpool, Inglaterra. Sus padres, Elsie Gleave y Richard Starkey, prontamente se divorciaron, quedando el joven al cuidado de su madre. Ambos se mudaron al 10 de Admiral Grove, a la vez que su madre alternaba distintos trabajos para subsistir.
Ingresó en la escuela de St. Silas, pero a los 6 años se vería obligado a abandonarla debido a una grave peritonitis. Permaneció en cama durante dos años y diez semanas en el hospital. A los trece, después de que su madre contrajera matrimonio con Harry Greaves, un resfriado se convirtió en pleuresía, lo que le obligó a ser ingresado en el Myrtle Street Hospital, donde permaneció hasta1955.
Su ausencia del aula le dificultó el aprendizaje, por lo que a su salida apenas sabía leer y escribir. Trabajó, gracias al apoyo de su padrastro, para la British Rail de Inglaterra como mensajero, aunque a las seis semanas fue despedido por no pasar el examen médico. Poco después, Harry Greaves logró encontrarle trabajo como aprendiz de ensamblador en una compañía mecánica local llamada H. Hunt & Son.
Pese a todo, y debido al auge del skiffle, la mayor afición de Ringo era la música. Durante su estancia en el hospital, aprendió a tocar el tambor en las clases de música que se impartían. A su salida de éste, Harry Greaves le compró una batería de segunda mano. Tocó para algunas bandas locales: primero en bailes junto a Eddie Clayton y más tarde con The Darktown Skiffle Group, aunque alcanzó cierta reputación en el grupo Rory Storm & The Hurricanes, donde cambió su nombre por el de Ringo Starr (Ringo debido a los numerosos anillos que usaba (aunque él en una entrevista dijo “lo elegí porque es nombre de perro y los perros me agradan”), y Starr para anunciar su solo de batería como Starr Time).
En otoño de 1960, y después de numerosos conciertos en su Liverpool natal, Ringo, junto a Rory Storm and the Hurricanes, tocó en Hamburgo, Alemania, donde conoció a The Beatles. En varias ocasiones sustituyó a Pete Best a la batería debido a su ausencia, y entabló una fuerte amistad con el resto de la banda.
